XVII

XVII EDICIÓN DEL PREMIO ESPAIS A LA CREACIÓN Y CRÍTICA DE ARTE

El Jurado que ha integrado la presente edición es el siguiente:

· Xavier Antich (Profesor de Estética y Teoría del Arte de la Universidad de Girona)
· Fernando Castro Flórez (Profesor de Estética y Teoría del Arte en la Universidad Autónoma de Madrid y comisario de exposiciones)
· Miren Eraso (Responsable de documentación y publicaciones de Arteleku, y Directora de Zehar )
· Pilar Parcerisas (Historiadora del arte y comisaria de exposiciones)
· Martí Peran (Profesor de Teoría del Arte en la Universidad de Barcelona)
· Glòria Picazo (Comisaria, crítica de arte y directora del Centre d’Art La Panera de Lleida)
· Jordi Vidal Boris (Presidente de la Fundació Espais)

ESCULTURA-PREMIO DEL ARTISTA FERNANDO SÁNCHEZ CASTILLO

La escultura que se entregará a los premiados en la modalidad 2.3 de la XVII edición del Premio Espais a la Creación y a la Crítica de Arte 2005 ha sido realizada por el artista Fernando Sánchez Castillo. La obra de este artista siempre sitúa al espectador ante la necesidad de que piense por sí mismo y que observe el mundo a través de una mirada alternativa, que genere un contrapunto a la visión uniformada y hegemónica que rige nuestras vidas. La escultura que ha creado para el Premio Espais tiene una clara relación con el trabajo iniciado en Ciudad sin héroes. De esta manera, la obra es una variación tridimensional a pequeña escala de una producción que surge de una serie fotográfica y un conjunto de piezas escultóricas presentadas en forma de instalación. El artista muestra su afán iconoclasta y se dedica, como si se tratase de un juego próximo a una broma pesada, a presentar diversos monumentos públicos de carácter histórico y con vínculos explícitos con la representación tradicional del poder, de una manera muy singular: fragmentados, decapitados o en situaciones insólitas. Por tanto, se trata de un trabajo que pone sobre la mesa la desmitificación de la historia de los vencedores al mostrar los héroes representados en las plazas, calles y lugares públicos de nuestras ciudades, transformados, ridiculizados por la maestría del artista. En definitiva, con su obra, Sánchez Castillo pretende violentar simbólicamente el orden dominante. Esta violencia simbólica se estructura a partir de gestos poéticos que nacen con la certeza de la inutilidad. Sin embargo, es esta naturaleza de inutilidad, tan cercana al arte, la que tergiversa los cimientos del pragmatismo que domina nuestra sociedad.

Fernando Sánchez Castillo, (Madrid, 1970) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y máster en Filosofía y Estética por la Universidad Autónoma de Madrid. Fernando Sánchez Castillo es un de los valores más prometedores del panorama artístico actual, fue becado (2000-2002) por la Fundación Marcelino Botín de Santander. Ya en el año 1999 había sido el único español seleccionado en la exposición Abracadabra, comisariada por Cathérine Grenier y Catherine Kinley, curadoras respectivamente del Centro Georges Pompidou de Paris y de la Tate Gallery de Londres, y fue becado por la Escuela de Bellas Artes de Paris por el trabajo, entre otros, con Franz West. Entre sus últimas exposiciones individuales destaca A cada uno lo suyo en la Fundació Espais (Girona, 2003), A caballo, Caja San Fernando, (Sevilla, 2003), Anammesis, La Casa Encendida (Madrid, 2003), Nihil Obstat a la Galeria Max Estrella (Madrid, 2002)... También ha formado parte de proyectos colectivos como El Fracàs de la Bellesa, la Bellesa del Fracàs en la Fundació Miró (Barcelona, 2004), The Royal Trip a PS1, Moma (N.Y, 2003), ambos comisariados por el recientemente fallecido crítico de arte Harald Zeemann. Otras participaciones en propuestas colectivas han sido Monocanal, MNARS (Madrid, 2003), Itinerarios (Fundación Marcelino Botin, 2001), Appartement (Deitchtorhallen d’Hamburg, 2001), Señales ( Parque Ferial Juan Carlos I, 2001), ARCO’01 (Galeria Max Estrella), Open Spaces (ARCO, 2001), Insumisiones, (Fundación Marcelino Botin, 2000), Toy Stories (Sala Amadís, Injuve, 2000) Futuropresente, Sala comunidad de Madrid (1999), Abracadabra (Tate Gallery of Modern Art, Londres, 1999)...

PREMIOS
XVII EDICIÓN PREMIO ESPAIS
A LA CREACIÓN Y A LA CRÍTICA DE ARTE, marzo 2005

Modalidad 2.1: Beca-premio de ayuda a la creatividad artística:

▪ Autora: Elena Gabriela Fraj Herranz

▪ Título del proyecto: Mémoires d’unes femmes de ménage

Este año 2005 la Beca-Premio de ayuda que se ha concedido a un proyecto en curso tiene como principal objetivo la realización de una labor videográfica y documental sobre las formas de trabajo consideradas normalmente como periféricas o subalternas. En concreto, Elena Gabriela Fraj, haciendo uso de un claro enfoque teórico del género feminista, centra su investigación en el mundo de las trabajadoras del servicio doméstico durante la etapa del franquismo, que suele conocerse como “desarrollista”. Por tanto, –a partir de una serie de entrevistas filmadas que se contraponen con las representaciones fílmicas estereotipadas y tradicionales de la figura de la criada- se trata de sacar a la superficie las experiencias de diversas mujeres que en el pasado habían trabajado en este sector. Fundamentalmente, el propósito de la autora es hacer visibles situaciones que, en general, no son tenidas en cuenta por los discursos históricos dominantes, sobre todo cuando el agente social protagonista es la mujer. En este caso particular, el papel relevante y no reconocido que tuvieron muchísimas mujeres anónimas en el desarrollo económico y la modernización del Estado español durante la década de los años 60 y los primeros 70.
El proceso de trabajo, que se basa en una investigación visual, bibliográfica y la realización de entrevistas, ha de tener como resultado final el montaje de una videoinstalación y la producción de un DVD.

Elena Gabriela Fraj Herranz (Zaragoza, 1977), es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Ha cursado un máster en Antropología y Comunicación Audiovisual en la Universidad de Barcelona. También ha participado en diversos seminarios vinculados al mundo audiovisual realizados en el MACBA. Desde finales de 2002 y hasta la fecha es copartícipe del colectivo Las Agencias (Barcelona) y del proyecto co-creativo YOMANGO. El año 2004 recibió una beca a jóvenes creadores del Instituto de la Juventud (Gobierno de Aragón). Uno de sus últimos trabajos es la videocreación “Bajo la màscara del placer”.

Modalidad 2.2: Publicación de un trabajo ensayístico inédito:

▪ El Jurado de la XVII Edición del Premio a la Creación y a la Crítica de Arte ha considerado por unanimidad declarar desierta esta modalidad.

Modalidad 2.3: Premio a un trabajo publicado y/o realizado:

v De acuerdo con la cláusula 2.3.4 de las bases del premio, el jurado ha considerado pertinente premiar, desde la libre designación, los tres textos siguientes:

▪ Autora: Laura Baigorri

▪ Título del texto: Vídeo: Primera Etapa (El vídeo en el contexto social de los años 60/70)

▪ Lugar de publicación: Asociación cultural Brumaria, Madrid, 2004.

El libro de Laura Baigorri tiene por objeto caracterizar los primeros años del vídeo relacionándolos con el entorno cultural y social que hizo posible su aparición en el campo artístico y, a la vez, determinar cuales fueron los cambios e influencias que acabó por tener este medio en el arte. La irrupción del vídeo, según la autora del estudio, ejerció una notable influencia en el contexto sociopolítico y comportó una reestructuración de gran relevancia en todo el ámbito artístico: desde el mismo mercado del arte hasta el cambio de las actitudes ante el proceso creativo, sin olvidar su influencia en la mutación a que ha sido sometida la figura del espectador en las últimas décadas. La base del libro es una tesis doctoral que la autora ha adaptado para divulgar esta parte de la historia que ha propiciado la actual revolución electrónica en el arte y en la sociedad. En consecuencia,, esta publicación no es una Historia del Vídeo, sino un análisis crítico de las múltiples “Historias del Videoarte” que se han escrito hasta ahora. Esto significa, por un lado, vincular el vídeo con el momento sociopolítico en el que surgió y se desarrolló –los años 60 y 70 del siglo XX- y , de otro, intentar no aislar el videoarte del ámbito artístico general, cuestionando las argumentaciones que lo presentan como un “arte tecnológico específico”.
Los editores de este libro, la Asociación cultural Brumaria, es un proyecto encabezado por artistas (Marcelo Expósito y Darío Corbeira), que tiene como objetivo la construcción de un espacio de estudio y reflexión, la centralidad del cual es la puesta en circulación de materiales teóricos y prácticos relativos a las ideas artísticas y estéticas, teniendo siempre presente su inseparable vínculo con las condiciones y las prácticas sociales y políticas.

Laura Baigorri (Barcelona, 1960) es profesora titular de Vídeo en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. Especialista en arte y activismo, vídeo y net.art. Creadora del directorio de información alternativa el transmisor http://www.interzona.org/transmisor.htm y de los directorios de media art Arte en Red (1997-2000) y DATA.ART http://www.medicatecaonline.net/datart, activo desde 2001. Actualmente es asesora de net.art en la Mediateca de “Caixaforum” de Barcelona. Ha sido miembro de la Asociación Internacional gestora del Centre International de Création Vidéo Pierre Schaeffer de Hérimoncourt (Francia) desde 1999 hasta su cierre en 2004. Ha realizado diversas funciones de jurado y comisarido de vídeo y net.art; ha participado en diversos másters y posgrados de arte contemporáneo, y ha organizado seminarios y tertulias sobre vídeo y net.art en la Mediateca de CaixaFòrum. Ha codirigido, con Pau Alsina, el número de la revista Artnodes titulado ”Node: Arte activismo y tecnología. Heterotopías glocales”. UOC (Universitat Oberta de Catalunya) 2004. Ha publicado artículos y ensayos sobre arte y activismo en la red y sobre vídeo "El vídeo y las vanguardias históricas" (UB, 1997) y “Video Digital de Creación” (UOC, 2004). El 1994 ganó la beca Fotopress de "La Caixa" con el proyecto fotográfico CO+MEDIA i el 1997 una beca de Creación Audiovisual de la Universidad Pompeu Fabra para la realización del vídeo ZAP-WAR.

Autor: José Luis Brea

Título del texto: El tercer umbral. Estatuto de las prácticas artísticas en la era del capitalismo cultural

Lugar de publicación: Cendeac, Casa Díaz Cassou, Múrcia, 2004

En El tercer umbral, quinto ensayo de José Luis Brea, el autor reflexiona sobre las prácticas artísticas contemporáneas, tomando como eje vertebrador de su discurso los cambios acaecidos a nivel mundial en los últimos años en los ámbitos sociales, laborales y políticos. Las transformaciones en las relaciones de producción, así como la globalización cultural y la implantación masiva de las nuevas tecnologías han afectado de manera irremisible el arte contemporáneo, hasta el punto de convertirlo en un producto más de la industria del entretenimiento, Según apunta Brea, el arte ha entrado en un tercer estadio, un tercer umbral, de manera que ha quedado asimilado por los procesos de mutación del capitalismo actual, un capitalismo del conocimiento que dado lugar a una nueva concepción del artista como trabajador y productor inmaterial. En un momento en el que los grandes valores que sustentaban el corpus social del individuo como eran la familia, la religión, las tradiciones..., la patria ha entrado en crisis y se ha desvanecido, las industrias culturales se erigen como poderosos agentes productores de subjetividad y de comunidad. Así, para Brea el reto de futuro que deben afrontar las prácticas artísticas en este nuevo paradigma reside en el hecho de saber articular dispositivos que permitan promover actitudes críticas y general modelos alternativos al impuesto por el sistema tardocapitalista, En este sentido, el artista debe redefinir su función el contexto de la transformación tecnológica, de manera que resulta imperante repensar conceptos como la autoría, la obra original y única, el papel del espectador, los circuitos del mercado artístico, etc. Posiblemente, comenta Brea, el net-art represente la estrategia de resistencia cultural del nuevo artista-productor inmaterial, dado de que se trata de una práctica (post)artística que fomenta una utopía del comunismo del conocimiento y construye comunidades on line desjerarquizadas y escenarios públicos participativos.

José Luis Brea es profesor titular de Estética y Teoría del Arte Contemporáneo de la Universidad de Cuenca y director de la revista Estudios Visuales. Crítico de arte independiente, colabora en diversas revistas nacionales e internacionales. Actualmente es corresponsal para España de Artforum y editor regional de Rhizome. Ha sido decano de la Facultad de Bellas Artes de Cuenca y ha organitzado muchas exposiciones, la más reciente de les cuales ha sido "La conquista de la Ubicuidad". Su última publicación ha sido Estudios visuales. La epistemolgía de la visualidad en la era de la globalización, ( Edit. Akal, Madrid, 2005). Con anterioridad a El tercer umbral, ha publicado los siguientes libros: La era postmedia. Acción comunicativa, prácticas (post)artísticas y dispositivos neomediales (Editorial Centro de Arte de Salamanca, Salamanca, 2002); The Blind Point. Spanish art of the nineties. (Kunstraum Innsbruck - Ediciones Universidad de Salamanca. Insbruck / Salamanca, 1999); Un ruido secreto. El arte en la era póstuma de la cultura (Mestizo, Múrcia, 1996); Nuevas estrategias alegóricas (1991, Tecnos, Colección Metrópolis, Madrid); Las auras frías (1991, Anagrama, Barcelona, (finalista del Premio Anagrama de Ensayo año 1990) y Before and After the Enthusiasm. Spanish Art 1972-92 (1989, SDU Publishers, La Haya). Su último proyecto ensayístico de próxima aparición es e-cK: [capitalismo cultural electrónico] eds. de la Acción Paralela, Madrid, 2004.

▪ Autor: Paco Cao

▪ Título del texto: Fèlix Bermeu. Vida soterrada

▪ Lugar de publicación: Hangar (Barcelona) y Ayuntamiento de Terrassa, 2004.

Fèlix Bermeu. Vida Soterrada constituye una biografía novelada fruto de un proyecto de investigación realizado por el artista Paco Cao y desarrollado a lo largo de seis meses en Terrassa, en el marco de la propuesta “Processos Oberts” que organiza Hangar en colaboración con el Ayuntamiento de Terrassa. Se trata de un libro que, aparentemente, constituye la biografía canónica del personaje Fèlix Bermeu (Terrassa 1901 Nova York 1997) y desvela una vida apasionante –secreta hasta el momento de hacerla pública en el volumen- de un autor heterodoxo, relacionado con el mundo de la cinematografía, coetáneo de la Generación del 27, colaborador de la industria del cine alemán anterior al nazismo y colega de los grandes nombres de la vanguardia internacional, exiliado en el Caribe y posteriormente en Nueva York a causa de la Guerra Civil. En este sentido, el descubrimiento fortuito de un archivo en una iglesia de la ciudad de Nueva York, con documentación sobre el personaje, conduce a Paco Cao a elaborar un proyecto de cariz documental, en el cual el autor actúa como un historiador y médium para narrar “una historia de fascinación por una época y una vida, que no por incierta es menos real”. De esta manera, la singularidad del libro radica en el juego que propone Paco Cao al propiciar la confusión entre la realidad y la ficción y al utilizar el relato histórico y los hechos verídicos con el fin de crear un ser imaginario, con una vida fascinante. Nos encontramos nuevamente en este espacio fronterizo tan habitual en su tarea de performer, en la cual el artista inventa personajes y suplanta su propia personalidad con el fin de recrear nuevas representaciones de si mismo y así implicar al espectador a participar en la configuración de nuevas realidades.

Paco Cao (Tudela-Veguin-Oviedo, 1965). Ha sido profesor de Historia del Arte en la Universidad de las Américas de Puebla (Méjico) y conferenciante-artista en diversas instituciones. En 2002 preparó un concurso de retrato en colaboración con el Museo del Barrio de Nueva York, Casa de América, Museo del Prado y Teatro Real de Madrid a partir del retrato de Juan de Pareja pintado por Velázquez. En sus trabajos se percibe una preocupación por poner de manifiesto las contradicciones inherentes en la experiencia artística derivadas de las limitaciones institucionales. Sus proyectos públicos y exposiciones individuales más recientes se han presentado en el Museo del Barrio de Nueva York (Celebrity, 2002), en el Museo d’Arte Nuoro de Cerdeña (Ignoto, 2001), en Skoghall-Suècia (Border-line, 2000) en el CGAC de Santiago de Compostela (En préstamo, “La acción y su huella”, 2000), en la Fundació Joan Miró de Barcelona (Alma Mater, 1997) en el The New Museum of Contemporary Art de Nova York (Rent-a-Body, 1995-1996). Paralelamente también ha participado en exposiciones colectivas en la Fundación Marcelino Botin de Santander (Itinerarios 2000-2001), en el Museo de Arte de Recife (Brasil) (Políticas de la diferencia, 2001), en la Exposición Universal de Hannover, 2000, en la Galeria Salvador Díaz de Madrid (ARCO, 1998). En el campo editorial, al margen de Fèlix Bermeu, vida soterrada, ha publicado el libro Rent-a-Body/Alquile un cuerpo, 1999.

Paralelamente os informamos de otros actos que se llevarán a cabo después de la lectura del veredicto del jurado:

PRESENTACIÓN DE LA PUBLICACIÓN DEL ENSAYO INÉDITO PREMIADO EN 2004

De la paraula a les històries. El llenguatge escrit: una estratègia de comunicació per als artistes, de Sara Vilar

El ensayo de Sara Vilar, premiado en la convocatoria del año 2004 como trabajo inédito y que ahora se publica y presenta en la colección de ensayos inéditos de la Fundació Espais, constituye una incursión sobre la utilización del lenguaje en el campo de las artes visuales. En este sentido, la incorporación del registro verbal en el discurso artístico implicó un giro artístico ya en las primeras vanguardias y, desde entonces, la palabra se ha convertido en un recurso más de los procesos plásticos de creación actual. De este modo y tomando como punto de partida de su estudio una revisión histórica sobre la imbricación del lenguaje con el objeto artístico, Sara Vilar profundiza en el trabajo de un conjunto de artistas que desarrollan en una concepción del arte como un sistema de comunicación, dejando de lado el discurso puramente objectual y formalista. De este modo, la autora realiza un análisis detallado de creadores como Guerrilla Girls, Barbara Kruger, Jenny Holzer.... Se trata de artistas que -mediante las estrategias del mundo publicitario, la cultura de masas, el cartelismo, etc.- han utilizado el lenguaje como instrumento de mediación, con tal de transformar el arte en un signo social y cuestionar valores establecidos sobre la identidad étnica, sexual, diversidad cultural... Al mismo tiempo, y paralelamente al estudio de un arte activista que utiliza la palabra como arma de reivindicación, otros creadores más influidos por su poder narrativo se han valido des recursos lingüístico para generar lecturas equívocas, para recrear un mundo de ficción sobre la vida real (Sophie Calle, Gillian Wearing, Lorna Simpson...) o, por el contrario, para dar veracidad a las historias que se quieren testimoniar (Rosângela Rennò, Donna Ferrato, Alfredo Jaar, Hans Haacke..). De este modo, en estos casos, se observa que la complicidad entre la imagen y el lenguaje ha utilizado la capacidad comunicativa de los vídeos domésticos, las telenovelas, fotonovelas... Sin duda, el trabajo de Sara Vilar permite una mayor comprensión de unas prácticas creativas que pretenden superar el hecho propiamente artístico, con la finalidad de elaborar y transmitir relatos, imaginarios o reales, a través del poder persuasivo de la palabra.

Sara Vilar García (1972) es licenciada en Bellas Artes por la Facultad de Sant Carles de la Universitat Politècnica de Valencia. Actualmente es becaria de investigación en el Departamento de Escultura de la Universitat Politècnica de Valencia. El año 2003 recibió la beca de investigación al Fine Art Research Centre de Faculty of Media Arts and Society en Southampton Institute (Inglaterra). En su faceta como artista visual, ha participado en diferentes exposiciones individuales y colectivas.

PRESENTACIÓN DE LOS RESULTADOS DE LA BECA-PREMIO DE AYUDA A LA CREATIVIDAD ARTÍSTICA OTORGADA EN 2004

Real TV. Relatos, feminismo(s) y representaciones mediáticas. Del grupo de trabajo
“El Sueño Colectivo”, integrado por Montse Romaní, María Ruido y Virginia Villaplana.

En la primera edición de la Beca-Premio de ayuda a la creatividad artística fue seleccionado el proyecto Real TV. Relatos, feminismo(s) y representaciones mediáticas del colectivo “El Sueño Colectivo”. Real TV se plantea como un proceso de investigación que prevee su desarrollo en varias etapas progresivas. La intención primordial es que durante este periodo de dos años se programen ciclos de cine y vídeo, seminarios-debates, recopilaciones en vídeo, ediciones de publicaciones, etc. Uno de los principales objetivos de “El Sueño Colectivo” es la creación de un gran archivo sobre las prácticas de guerrilla televisiva y de crítica en la representación mediática que a finales de los años sesenta van aparecieron con fuerza, sobretodo vinculadas al feminismo militante. Estas prácticas se planteaban como un sistema de contrainformación en la televisión generalista y en sus modelos de representación y reproducción sociales. El grupo de trabajo, integrado por Montse Romaní, María Ruido y Virginia Villaplana, se propone, a través del contacto con otras asociaciones europeas sin ánimo de lucro (Drac magic, Barcelona, Cinenova, Londres, Blickpilotin, Berlín) que trabajan en este campo, la realización de una trabajo de recopilación, investigación y difusión de la práctica audiovisual realizada por mujeres durante las tres últimas décadas. Con una base metodológica que combina las distintas teorías políticas feministas, los estudios culturales y las análisis de la representación mediática con les prácticas de guerrilla mediática y de infiltración televisiva, la intención de las investigadoras es llevar a cabo un trabajo en la red, de intercambio intergeneracional y con un marcado carácter didáctico. Una primera fase de Real TV se presentará públicamente en la XII Mostra de Films de Dones de Barcelona le próximo mes de junio. También se tiene previsto que alguna parte del proyecto se presente en la Fundació Espais durante la siguiente edición del Premi Espais, el mes de mazo de 2005.

El Sueño Colectivo es un grupo de trabajo formado por Montse Romaní, María Ruido y Virginia Villaplana, tres productoras culturales con un bagaje y recorrido diverso en la práctica artística. Este colectivo genera escritos, obras en formato audiovisual y proyectos de comisariado. Su trabajo de investigación combina una variedad de análisis críticos que incorporan las distintas teorías políticas feministas, los estudios culturales, los estudios de comunicación audiovisuales, las recientes teorías de género así como las teorías espaciales. Algunos proyectos realizados hasta el momento por este colectivo son The work narratives (Londres, noviembre 2002, www.iniva.org), Les recits/romans du travail. La construction de la subjectivité et les representations du travail par le biais de la technologie (Bruselas, 2002, www.digitales-online.org), Del treball material al treball immaterial. Processos de producció del paisatge postindustrial a l’entorn de la Colònia Güell (Ensayo visual en proceso), Just do it!, Gènere, performance i narratives del treball (programa de vídeo. 11ª Muestra Internacional de Cine de Mujeres, Barcelona 2003, www.mostra.arrakis.es), conferencia en el marco de las jornadas L’art en situació de futur. Noves perspectives de producció i difusió de les arts visuals a escala local (Amposta, 2003).